Carl Larsson (1853-1919) - Vilhelm Hammershoi (1864-1916) - Peter Vilhelm Ilsted (1861-1933) - Christian Krohg (1852-1925) -  Oda Lasson (1860-1935) - Hans Jæger (1854-1910) - ....

Last Update : 12/11/2016

Vilhelm Hammershøi est l’un des artistes les plus énigmatiques et singuliers de la fin du XIXe et du début du XXe siècle : il est l'artiste qui a peint le SILENCE, ...

l'effet apaisant de ses oeuvres ne se sont confirmées qu'avec le temps, une peinture controversée, mal comprise, voire rejetée, mais qui pourtant a suscité l'admiration ...

Au premier abord, l’œuvre de Hammershøi semble simple, voire austère : des intérieurs vides ou peu meublés, des architectures épurées, des personnages souvent de dos, absorbés dans une activité indistincte ou contemplant une fenêtre. Sa palette est réduite à une symphonie de gris, de blancs cassés, de bruns et de noirs, avec des touches de couleur rares et sourdes.

Cette simplicité est trompeuse. 

Hammershøi ne peint pas des scènes, mais des états. Il est l’un des grands peintres de l’absence, du temps suspendu et de la lumière métaphysique. Son silence n’est pas un vide, mais une présence palpable ...

C’est le silence d’une pièce après le départ de quelqu’un, le silence de la concentration, le silence de la lumière du nord filtrant à travers une vitre.

Cet « effet apaisant » évoqué est le résultat d’une maîtrise absolue de la composition et de la lumière. Chaque élément est placé avec une précision géométrique qui confine à l’abstraction, créant une tension tranquille et une profondeur hypnotique.

De son vivant, Hammershøi a été un peintre controversé et mal compris. 

Cette incommunicabilité relative s’explique par plusieurs facteurs ...

-  À une époque où l’avant-garde explorait le symbolisme flamboyant, l’expressionnisme naissant ou les couleurs des Nabis et des Fauves, Hammershøi pratiquait un art radicalement introverti et ascétique. Son refus de la narration, de l’anecdote et de la couleur séduisante le mettait en marge.

- La critique contemporaine le trouvait souvent « monotone », « froide » ou « trop grise ». On lui reprochait de toujours peindre la même chose – ses appartements successifs de Copenhague, sa femme Ida, quelques paysages architecturaux. Cette répétition, perçue comme un manque d’invention, était en réalité une quête obsessionnelle de l’essence, une variation sur le thème de l’intimité et de la solitude.

- Paradoxalement, alors que le grand public et une partie de la critique restaient froids, il était profondément admiré par des cercles d’initiés et des artistes. En France, où il exposa à plusieurs reprises, il fut remarqué et loué par des figures comme Pierre Puvis de Chavannes (pour la monumentalité silencieuse), Rainer Maria Rilke (qui voyait en ses tableaux « des intérieurs pas tout à fait à leur place dans le temps ») et, plus tard, par le jeune Marcel Duchamp. Cette reconnaissance par ses pairs souligne qu’on percevait chez lui une modernité subtile, un dépouillement précurseur de l’art du XXe siècle.

Vilhelm Hammershoi (1864-1916) 

Les Années de Formation (1864-1890)

Né à Copenhague dans une famille bourgeoise aisée, Vilhelm montre très tôt des dispositions artistiques. Il entre à l’Académie Royale des Beaux-Arts à 15 ans, puis fréquente l’école de peinture libre de P.S. Krøyer, le chef de file des peintres naturalistes danois (les « Skagen »). Dès ses premières œuvres, comme Portrait d’une jeune fille (1885, portrait de sa sœur Anna), se révèlent sa palette sobre et son approche réservée, à contre-courant du naturalisme en plein air et coloré de ses camarades. Son grand tableau La Jeune Fille à coudre (1887) montre déjà son intérêt pour une figure féminine absorbée dans une tâche silencieuse.

L’Affirmation d’un Style (1890-1900) ...

Les années 1890 voient la cristallisation de son langage artistique.

- Le Mariage avec Ida Ilsted (1891) : Cet événement est capital. Ida, sœur d’un ami peintre, devient son modèle quasi exclusif et l’âme de son univers domestique. Elle incarne la présence absente, la mélancolie tranquille qui habite ses toiles. Certains chercheurs, comme Meyken Barreto, ont réévalué le rôle de son épouse Ida Hammershøi, non seulement comme modèle muet, mais comme collaboratrice essentielle, participant au choix des cadrages, des costumes et de l'agencement des espaces. Cette perspective renouvelle la lecture de ses tableaux, y voyant une construction à deux mains de l'intimité.

- La Découverte des Intérieurs : À partir de 1898, lorsqu’il emménage dans un appartement au 30 Strandgade (puis au 25), il trouve son sujet absolu. Ces pièces aux murs nus, aux portes entrouvertes, baignées d’une lumière latérale, deviennent le théâtre unique de son œuvre. Des tableaux comme Intérieur, Strandgade 30 (1899) ou Soleil dans le salon (1903) sont des manifestes de sa poétique.

- Reconnaissance à l’Étranger : Il participe à l’Exposition Universelle de Paris en 1889 et est invité par le marchand Paul Durand-Ruel à exposer à Paris en 1890. Bien que ne faisant pas un triomphe commercial, il y gagne l’estime de critiques avisés.

L’Apogée et la Maturité (1900-1916) ...

- Élargissement du Répertoire : Sans abandonner ses intérieurs, il explore d’autres thèmes avec la même sensibilité : des paysages urbains vides et architecturaux (les docks de Londres, les places de Copenhague), des vues d’architecture (le Château de Rosenborg), et des nus d’une pudeur et d’une froideur minérale remarquables.

- Rainer Maria Rilke (1904) est l'un des premiers grands admirateurs étrangers. Il visite l'atelier de Hammershøi en 1904 et consacre des pages superbes à sa peinture dans ses Lettres sur Cézanne et ses carnets. Il y décrit l'atmosphère "hors du temps" et "sans histoire" des intérieurs, captant l'essence même de l'œuvre.

- Voyages et Influences : Ses voyages à Londres (où il admire Whistler), à Paris et en Italie nourrissent son art sans en altérer le caractère. Il est particulièrement marqué par l’architecture palladienne et les maîtres anciens (Vermeer, bien sûr, mais aussi la rigueur de Piero della Francesca).

- Une Consécration Nationale Tardive : Ce n’est qu’en 1905 qu’il reçoit une certaine reconnaissance officielle au Danemark. La Glyptothèque de Copenhague organise une exposition de 51 de ses tableaux.

- La Maladie et la Mort : Atteint d’un cancer de la gorge, il meurt en 1916 à l’âge de 51 ans. Sa production tardive, comme Intérieur avec un piano (1912), montre une lumière plus diffuse et une atmosphère encore plus éthérée, peut-être plus mélancolique.

Le célèbre critique littéraire danois Georg Brandes a écrit sur Hammershøi, mais avec une certaine ambivalence, reconnaissant son talent tout en regrettant parfois sa "monotonie" et son manque de "joie de vivre". Ses écrits illustrent la réception mitigée dans son propre pays.

Oublié après sa mort, hormis dans son pays natal, Hammershøi a été redécouvert dans les années 1980-1990. - Peder Severin Krøyer & Felix Krämer (éds.) - Les catalogues des grandes expositions rétrospectives sont des mines d'informations. Celui de l'exposition au Musée d'Orsay (1997-1998), Hammershøi, le maître de la peinture danoise, est fondateur. L'exposition au Musée Jacquemart-André (2019-2020), Hammershøi, le maître de la peinture danoise, a également produit un catalogue important.

On voit en lui aujourd’hui un précurseur de la peinture métaphysique (Giorgio de Chirico), un ancêtre du minimalisme et un artiste dont la quête de sérénité et d’épure résonne profondément avec la sensibilité contemporaine. Son œuvre, à la fois profondément ancrée dans la culture danoise (la « lumière du Nord ») et universelle dans son exploration de l’espace et du temps, continue de fasciner par son mystère tranquille et son silence assourdissant.

Carl Larsson (1853-1919)
Le suédois Carl Larsson va développer à l'extrême ce repliement sur la quête du bonheur au sein du foyer familial, loin des contingences du monde extérieur... Après une formation académique à Stockholm, Carl Larsson séjourna à partir de 1877 et pour plusieurs années en France, d’abord à Paris, puis à Grez-sur-Loing à partir de 1882, épouse une artiste suédoise, Karin Bergöö, avec laquelle il aura huit enfants, et regagne la Suède en 1889. Et peut-être en réaction vis-à-vis d'une enfance pauvre et malheureuse, il devient le peintre d'un registre inédit, la description de sa vie familiale dans l’univers coloré de sa maison du village de Sundborn. Son travail d'illustration lui donne une notoriété internationale. L’album "Notre maison" et les suivants qui connurent une grande diffusion, ont inspiré les jeunes couples sur le point de fonder un foyer. Ils firent de lui le porte-étendard d’une nation fière de son confort domestique et de ses valeurs humanistes. Ces aquarelles continuent d’ailleurs d’influencer la décoration intérieure en Suède. Mais le caractère fascinant de ces images repose sur une science du cadrage moderne qui distingue sa production de celle de ses suiveurs. 

Reste dans la vie et l'oeuvre de Carl Larsson une impression étrange, cette quête du bonheur du foyer familial est-elle sans nuages, un autoportrait de 1906, "Self-recognition" (Polo Museale, Firenze), nous livre, derrière les images idéalisées du couple aimant, une singulière interrogation (le peintre tient un pantin, son épouse, elle-même en fond, dans une autre pièce), au fond Carl Larsson ne sent-il pas prisonnier d'un  sentiment qui n'est pas foncièrement le sien, une représentation du bonheur qui semblerait celui de sa épouse, qui semble demandé par le public, mais loin, très loin de son for intérieur.....